Muziek is een belangrijk onderdeel van de wereldcultuur, zonder deze zou onze wereld veel armer zijn. Muziekcultuur is een middel voor persoonlijkheidsvorming, het onderwijst de esthetische perceptie van de wereld in een persoon, helpt de wereld te herkennen door emoties en associaties met geluiden. Er wordt aangenomen dat muziek gehoor en abstract denken ontwikkelt. Het begrijpen van klankharmonie is net zo goed voor muziek als wiskunde. We vertellen je over de vorming en ontwikkeling van de muziekcultuur en waarom mensen deze kunst nodig hebben.
Het concept
Muziek speelt een speciale rol in het menselijk leven, sinds de oudheid hebben geluiden mensen gefascineerd, in trance gebracht, emoties geholpen en de verbeeldingskracht ontwikkeld. Wijze mensen noemen muziek een spiegel van de ziel; het is een vorm van emotionele cognitie van de wereld. Daarom begint de muziekcultuur zich te vormen aan het begin van de opkomst van de mensheid. Ze begeleidt onze beschaving vanaf het begin. Tegenwoordig wordt met de term 'muziekcultuur' de totaliteit van muzikale waarden, het systeem van hun functioneren in de samenleving en de manieren van reproductie bedoeld.
In spraak wordt deze term gebruikt samen met synoniemen zoals muziek of muziekkunst. Voor een individu is muziekcultuur een integraal onderdeel van algemeen esthetisch onderwijs. Het vormt de smaak van een persoon, zijn innerlijke, individuele cultuur. Het herkennen van deze kunstvorm heeft een transformerend effect op iemands persoonlijkheid. Daarom is het zo belangrijk om muziek van kinds af aan onder de knie te krijgen, te leren begrijpen en waar te nemen.
Theoretici geloven dat muziekcultuur een complex complex geheel is, dat de mogelijkheid omvat om door de stijlen, genres en richtingen van deze kunstvorm te navigeren, kennis van de theorie en esthetiek van muziek, smaak, emotionele responsiviteit op melodieën en het vermogen om semantische inhoud uit geluid te halen. Ook in dit complex kunnen onder meer uitvoerings- en schrijfvaardigheden zijn. De beroemde filosoof en kunsttheoreticus MS Kagan geloofde dat muziekcultuur kan worden onderscheiden door een individuele dimensie, d.w.z. het niveau van een individuele persoon, haar kennis, vaardigheden op het gebied van deze kunst, evenals het groepsniveau, dat is verbonden met bepaalde subculturen en leeftijdssegmenten van de samenleving. In het laatste geval vertelt de wetenschapper over de muzikale opvoeding en ontwikkeling van kinderen.
Muziekfuncties
Zo'n complex en belangrijk fenomeen van kunst, zoals muziek, is uiterst noodzakelijk voor zowel een individueel persoon als de samenleving als geheel. Deze kunst vervult een aantal sociale en psychologische functies:
1. Formatief. Muziek is betrokken bij de ontwikkeling van de menselijke persoonlijkheid. De vorming van de muziekcultuur van een individu beïnvloedt de ontwikkeling, smaak en socialisatie.
2. Cognitief. Door middel van geluiden brengen mensen sensaties, beelden, emoties over. Muziek is een soort weerspiegeling van de wereld.
3. Educatief. Zoals elke kunst kan muziek bepaalde puur menselijke eigenschappen bij mensen vormgeven. Het is niet tevergeefs dat er een standpunt is dat het vermogen om te luisteren en muziek te maken een persoon van een dier onderscheidt.
4. Mobiliseren en opstellen. Muziek kan een persoon tot actie aanzetten. Het is niet tevergeefs dat er marcherende melodieën zijn, werkliedjes die de activiteiten van mensen verbeteren en verfraaien.
5. Esthetisch. Toch is de belangrijkste functie van kunst het vermogen om een persoon plezier te geven. Muziek geeft emoties, vult het leven van mensen met spirituele inhoud en brengt pure vreugde.
De structuur van de muziekcultuur
Als sociaal fenomeen en onderdeel van kunst is muziek een complexe formatie. In brede zin zijn er in zijn structuur:
1. Muzikale waarden geproduceerd en uitgezonden in de samenleving. Dit is de basis van de muziekcultuur, die de continuïteit van historische tijdperken verzekert. Waarden stellen ons in staat om de essentie van de wereld en de samenleving te begrijpen; ze zijn spiritueel en materieel en worden gerealiseerd in de vorm van muzikale beelden.
2. Verschillende soorten activiteiten voor de productie, opslag, uitzending, reproductie, perceptie van muzikale waarden en werken.
3. Sociale instellingen en instellingen die betrokken zijn bij verschillende soorten muzikale activiteiten.
4. Individuele mensen die betrokken zijn bij het maken, verspreiden en uitvoeren van muziek.
In een nauwer begrip van de componist D. Kabalevsky is muziekcultuur synoniem met de term 'muzikale geletterdheid'. Volgens de muzikant manifesteert het zich in het vermogen om muzikale beelden waar te nemen, de inhoud ervan te decoderen en goede melodieën van slechte te onderscheiden.
In een andere interpretatie wordt het bestudeerde fenomeen opgevat als een bepaalde algemene eigenschap van een persoon, uitgedrukt in muzikale opvoeding en muzikale ontwikkeling. Een persoon moet een bepaalde eruditie bezitten, een bepaalde set klassieke werken kennen die zijn smaak en esthetische voorkeuren vormen.
Oude wereldmuziek
De geschiedenis van de muziekcultuur begint in de oudheid. Helaas is er vanaf de allereerste beschavingen geen bewijs van hun muziek. Hoewel het duidelijk is dat muzikale begeleiding van rituelen en rituelen al bestond vanaf de allereerste stadia van het bestaan van de menselijke samenleving. Wetenschappers beweren dat muziek al minstens 50 duizend jaar bestaat. Documentair bewijs van het bestaan van deze kunst komt uit de tijd van het oude Egypte. In die tijd bestond er al een uitgebreid systeem van muzikale beroepen en instrumenten. Melodieën en ritmes begeleidden vele soorten menselijke activiteiten. Op dit moment verscheen er een geschreven vorm van het opnemen van muziek, waardoor we het geluid ervan kunnen beoordelen. Van eerdere tijdperken zijn alleen afbeeldingen en de overblijfselen van muziekinstrumenten bewaard gebleven. In het oude Egypte was er heilige muziek die de cultus vergezelde en mensen begeleidde bij werk en rust. Tijdens deze periode verschijnt voor het eerst muziek voor esthetische doeleinden.
In de cultuur van het oude Griekenland bereikt muziek haar hoogste ontwikkeling voor deze historische periode. Er verschijnen verschillende genres, instrumenten worden verbeterd, hoewel vocale kunst op dit moment de boventoon voert, worden filosofische verhandelingen gecreëerd die de essentie en het doel van muziek conceptualiseren. In Griekenland verschijnt een muziektheater voor het eerst als een speciaal soort synthetische kunst. De Grieken begrepen goed de kracht van de invloed van muziek, de educatieve functie, daarom waren alle vrije burgers van het land betrokken bij deze kunst.
Muziek van de middeleeuwen
De vestiging van het christendom in Europa heeft de kenmerken van de muziekcultuur aanzienlijk beïnvloed. Er verschijnt een enorme laag werken ten dienste van het instituut voor religie. Dit erfgoed wordt heilige muziek genoemd. Bijna elke katholieke kathedraal heeft orgels, er is een koor in elke tempel, waardoor muziek een onderdeel wordt van de dagelijkse dienst van God. Maar in tegenstelling tot heilige muziek wordt er een cultuur van volksmuziek gevormd, daarin is het carnavalsprincipe waarover M. Bakhtin schreef. In de late middeleeuwen werd seculiere professionele muziek gevormd, die werd gecreëerd en gedistribueerd door troubadours. Aristocratie en ridders worden klanten en consumenten van muziek, terwijl kerk noch volkskunst bij hen past. Er is dus muziek die het gehoor verrukt en mensen vermaakt.
Renaissance muziek
Met het overwinnen van de kerkelijke invloed op alle aspecten van het leven, leidden ze tot het begin van een nieuw tijdperk. De idealen van deze periode zijn oude voorbeelden en daarom wordt het tijdperk de Renaissance genoemd. Op dit moment begint de geschiedenis van de muziekcultuur zich voornamelijk in de seculiere richting te ontwikkelen. Tijdens de Renaissance verschenen nieuwe genres zoals madrigaal, koorpolyfonie, chanson en koor. Gedurende deze periode werden nationale muziekculturen gevormd. Onderzoekers vertellen over de opkomst van Italiaanse, Germaanse, Franse en zelfs Nederlandse muziek. Ook het gereedschapssysteem in deze historische periode ondergaat veranderingen. Was eerder het orgel de belangrijkste, nu zijn de snaren voor, dan verschijnen er verschillende soorten violen. Het geslacht van keyboards werd ook aanzienlijk verrijkt met nieuwe instrumenten: clavichords, klavecimbel en iets dat de liefde van componisten en artiesten begon te winnen.
Barokmuziek
Gedurende deze periode krijgt muziek een filosofische klank, wordt het een bijzondere vorm van metafysica en krijgt melodie een bijzondere betekenis. Deze keer van grote componisten, tijdens deze periode creëerden A. Vivaldi, I. Bach, G. Handel, T. Albinoni. Het barokke tijdperk werd gekenmerkt door de opkomst van kunst als opera, en in deze tijd werden ook oratoria, cantates, toccaten, fuga's, sonates en suites gemaakt. Dit is een tijd van ontdekking, de complicatie van muzikale vormen. In dezelfde periode is er echter een toenemende kunstverdeling in hoog en laag. Volksmuziekcultuur is gescheiden en niet toegestaan in wat in het volgende tijdperk klassieke muziek zal worden genoemd.
Muziek van classicisme
Weelderige en overdreven barok maakt plaats voor streng en eenvoudig classicisme. Gedurende deze periode wordt de kunst van de muziekcultuur uiteindelijk verdeeld in hoge en lage genres, canons worden vastgesteld voor de belangrijkste genres. Klassieke muziek is de kunst geworden van salons, aristocraten, het geeft niet alleen esthetisch plezier, maar vermaakt ook het publiek. Deze muziek heeft zijn eigen, nieuwe hoofdstad - Wenen. Deze periode werd gekenmerkt door het verschijnen van genieën als Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn. In het tijdperk van het classicisme wordt eindelijk het genre-systeem van klassieke muziek gevormd, zoals vormen als een concert, een symfonie verschijnt en een sonate wordt opnieuw gevormd.
Aan het einde van de 18e eeuw werd in de klassieke muziek een stijl van romantiek gevormd. Het wordt vertegenwoordigd door componisten als F. Schubert, N. Paganini, de latere romantiek werd verrijkt met de namen F. Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss. In muziek beginnen teksten, melodie en ritme gewaardeerd te worden. Gedurende deze periode werden nationale componistenscholen gevormd.
Het einde van de 19e eeuw werd gekenmerkt door antiklassieke gevoelens in de kunst. Impressionisme, expressionisme, neoclassicisme, dodecafonia verschijnen. De wereld staat aan de vooravond van een nieuw tijdperk en dit wordt weerspiegeld in de kunst.
20e-eeuwse muziek
De nieuwe eeuw begint met proteststemmingen, ook de muziek ondergaat revolutionaire veranderingen. Componisten zoeken na de Eerste Wereldoorlog inspiratie in het verleden, maar willen oude vormen een nieuw geluid geven. De tijd van experimenten begint, de muziek wordt heel divers. Klassieke kunst wordt geassocieerd met zulke grote componisten als Stravinsky, Shostakovich, Bernstein, Glass, Rachmaninov. De concepten atonaliteit en aleatorica verschijnen, wat het idee van harmonie en melodie volledig verandert. Gedurende deze periode groeien democratische processen in de muziekcultuur. Er is pop en trekt de aandacht van het grote publiek, later is er zo'n protestbeweging als rock. Zo ontstaat een moderne muziekcultuur, gekenmerkt door een veelheid aan stijlen en richtingen, een mix van genres.
De huidige staat van muziekcultuur
Aan het einde van de 20e - begin van de 21e eeuw ondergaat muziek een stadium van commercialisering, wordt het een wijdverspreid product en vermindert dit de kwaliteit aanzienlijk. Gedurende deze periode breiden de mogelijkheden van instrumenten aanzienlijk uit, verschijnen elektronische muziek en digitale instrumenten met ongekende expressieve middelen. Academische muziek wordt gedomineerd door eclecticisme en polystylisme. De moderne muziekcultuur is een enorme lappendeken waarin ze hun plaats en avant-garde, rock, jazz, neoklassieke trends en experimentele kunst vinden.
Geschiedenis van de Russische volksmuziek
De oorsprong van de Russische nationale muziek moet worden gezocht in de tijd van het oude Rusland. Men kan de trends van die periode alleen beoordelen door fragmentarische informatie uit schriftelijke bronnen. In die tijd was rituele en alledaagse muziek wijdverbreid. Sinds de oudheid waren er professionele muzikanten onder de tsaar, maar de betekenis van folklorewerken was erg groot. Het Russische volk hield van en kon zingen, het genre van huishoudelijke liedjes was het populairst. Met de komst van het christendom werd de Russische muziekcultuur verrijkt met spirituele kunst. Kerkkoorzang verschijnt als een nieuw vocaal genre. Echter, gedurende vele eeuwen domineerde traditionele unanieme zang in Rusland. Pas in de 17e eeuw kreeg de nationale traditie van polyfonie vorm. Sinds die tijd is de Europese muziek met zijn genres en instrumenten naar Rusland gekomen en begint de differentiatie in volks- en academische muziek.
Maar de volksmuziek in Rusland gaf zijn posities nooit op, het werd een inspiratiebron voor Russische componisten en was erg populair bij de gewone mensen en de aristocratie. Je kunt zien dat veel klassieke componisten zich tot folkmuziekbagage wendden. Dus M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tchaikovsky gebruikte wijdverbreide folklore-motieven in hun werken. In de Sovjetperiode was er veel vraag naar folklore op staatsniveau. Na de ineenstorting van de USSR stopte folklore-muziek met het dienen van de ideologie, maar verdween niet, maar nam een eigen segment in de algemene muziekcultuur van het land in.
Russische klassieke muziek
Vanwege het feit dat de orthodoxie de ontwikkeling van seculiere muziek lange tijd heeft verboden, ontwikkelt de academische kunst zich vrij laat in Rusland. Vertrekkend van Ivan de Verschrikkelijke woonden er Europese musici aan het koninklijk hof, maar er waren nog geen componisten. Pas in de 18e eeuw begon de Russische componistenschool vorm te krijgen. De musici werden echter lange tijd beïnvloed door Europese kunst. Een nieuw tijdperk van muziekcultuur in Rusland begint met Mikhail Glinka, die wordt beschouwd als de eerste Russische componist. Hij was het die de basis legde voor Russische muziek, die thema's en expressieve middelen uit de volkskunst haalde. Dit is een nationaal specifiek kenmerk van Russische muziek geworden. Zoals in alle levenssferen, ontwikkelde de muziek de richting van westerlingen en slavofielen. De eerste bestond uit N. Rubinstein, A. Glazunov, de tweede - componisten van The Mighty Handful. Uiteindelijk won het nationale idee echter en alle Russische componisten in verschillende mate, maar hebben folklore-motieven.
Het hoogtepunt van de pre-revolutionaire periode van de Russische muziek wordt beschouwd als het werk van P.I. Tchaikovsky. Aan het begin van de 20e eeuw kwamen revolutionaire veranderingen tot uiting in de muziekcultuur. Componisten experimenteren met vormen en expressieve middelen.
De derde golf van Russische academische muziek wordt geassocieerd met de namen van I. Stravinsky, D. Shostakovich, S. Prokofiev, A. Scriabin. De Sovjetperiode was meer een tijd voor artiesten, niet voor componisten. Hoewel er op dit moment uitstekende makers verschenen: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Na de ineenstorting van de Sovjet-Unie ging de academische muziek in Rusland bijna volledig van start.
Populaire muziek
De muziekcultuur bestaat echter niet alleen uit volks- en academische muziek. In de 20e eeuw neemt populaire muziek een volledige plaats in in de kunst, met name jazz, rock and roll en popmuziek. Traditioneel worden deze richtingen als 'laag' beschouwd in vergelijking met klassieke muziek. Populaire muziek verschijnt met de vorming van populaire cultuur en is ontworpen om te voldoen aan de esthetische behoeften van de massa. Popart is tegenwoordig nauw verweven met het concept van showbusiness, dit is niet helemaal kunst, maar industrie. Dit type muziekproductie vervult niet de educatieve en vormende functie die inherent is aan kunst; dit is precies wat theoretici de mogelijkheid geeft om popmuziek te negeren wanneer ze de geschiedenis van de muziekcultuur beschouwen.
